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GENEROS MUSICALESjue 22 de mayo, 2008 - 19:10 |
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GUÍA DE GÉNEROS MUSICALES, RITMOS MUSICALES, ESTILOS MUSICALES, INFLUENCIAS Y UN POCO DE HISTORIA SOBRE LAS DIFERENTES FORMAS Y MODOS DE HACER MÚSICA EN LOS ÚLTIMOS TIEMPOS
(Investigación realizada por ERIKA MOLINA PRADO) TALLER LIBRE DE CANTO POPULAR
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Categor%C3%ADa:G%C3%A9neros_musicales" A continuación una breve semblanza del origen y la historia de algunos géneros:
BOSSANOVA: El bosanova es un estilo de música brasileña inventado en los años cincuentas, por un grupo de estudiantes y músicos que vivían en Copacabana y en Ipanema de Río de Janeiro. El nombre pudo ser por “el nuevo ritmo” ó “el new way”. Actuaciones como la de Joao Gilberto y compositores como Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Morales fueron muy importantes. No fue sino en 1958 cuando alcanzó mayor plenitud. El bossa se deriva de la samba, pero es más complejo armónicamente y en percusiones. El género que más lo influencía es el “cool jazz”. El repertorio del bossa consiste en canciones donde predominan los instrumentos similares a los que se llama samba-jazz. Los instrumentos que identifican al bossa son la guitarra acústica, el piano y algunas percusiones. La estructura del ritmo del bossa está basado en la samba.
LISTA DE EJECUTANTES DEL BOSSA: 1.- Antonio Carlos Jobim OTROS: Charly Byrd 2.- Astrud Gilberto Jorge Chaminé 3.- Joao Gilberto Stan Getz 4.- Nara Leao Bebel Gilberto 5.- Carlos Lira Caetano Veloso 6.- Sergio Mendes Djavan 7.- Roberto Menescal Angel Parra Orrego 8.- Baden Powell Lisa Ono 9.- Marcos Valle Joao Donato 10.- Walter Wanderley Gilberto Gil 11.- Vinicius Moraes Jhon Pizzarelli 12.- Toquinho Vinicius Canturia 13.- Elis Regina 14.- Joao Bosco
LA SAMBA: Es una de las más famosas variaciones de la música de Africa que llegó a Brasil. El nombre de Samba probablemente viene de Angola semba (mesemba) un ritmo religioso. La samba se desarrolló en los veintes en Río de Janeiro capital de Brasil. El título de escuela de samba tiene origen en los años siguientes. EL primer dato de una grabación cn éste ritmo fue en el año 1917 por Donay y Mauro Armada. Es considerado como producto de los gettos negros quienes se encargaron de componer en grupos éste tipo de música. En los años siguientes la samba tomó varias direcciones. Orquestas con canciones de Carnaval, entre ellos se derivó para crear el bosanova.
EL SON: Es un estilo de música originario de la isla “hispaniola” . Se tiene conocimiento que data desde 1500 con canciones como “son de la ma´ Teodora” que data de 1570 en Santiago de Cuba. En una estructura que combina elementos de la canción española y guitarra española con ritmos africanos y percusiones de instrumentos de Bantu y Arara. Se extendió por la República Dominicana donde los esclavos negros que emigraban a Cuba. EL son se deriva de Haití, Africa y España y las influencias de la música nativa. Tuvo exponentes como el periodo del “trío Oriental” quien estableció el formato de sexteto en la canción, dominado hasta ese momento por las grandes bandas. En los cuarentas, Arsenio Rodríguez creó un ritmo nuevo afro-cubano: EL SON MONTUNO.. Después Beny Moré y otros derivaron hasta llegar a la salsa.
RUMBA: Con la llegada del popular chachachá y el Mambo a los Estados Unidos, EL SON tuvo un cambio radical llamado RUMBA. EL SON, MAMBO Y RUMBA, contribuyeron al desarrollo de la música SALSA.
GUARACHA: Originaria de España se desarrolló en Cuba. Tradicionalmente estaba pensada en música callejera como el estilo del ritmo del SON. La GUARACHA se deriva del estilo de la fusión de un gran número de ritmos durante la mitad de los cincuentas en Cuba. LA SONORA MATANCERA Y CELIA CRUZ fueron los exponentes de éste género. Roberto Faz, Pío Leyva, Rumba Habana expandieron en NEW YORK, MÉXICO, PUERTO RICO, VENEZUELA y otras ciudades. A mediados de los sesentas tomó el nombre de Guaracha por su popularidad hasta que adquirió un nuevo nombre y estilo: Casino, que dio referencia a la salsa.
EL MAMBO: Es música Cubana con estilo bailable. La palabra MAMBO es el nombre de un (prestess) en Haití Voodoo derivado de las lenguas Africanas por los esclavos que llegaron al caribe. La historia del mambo moderno comienza en 1938 cuando el danzón llamado “mambo” fue escrito por la orquesta y Cacha López. LA MUSICA DANZÓN desciende de Salones de baile europeo, ciudades inglesas (country dance) Francesas (contradanse) y España (contradanza) pero usando los ritmos derivados de la música folklórica africana.
LA SALSA: El cubano Ignacio Piñeiro y se introduce por vez primera la trompeta en “EL SON” y poco a poco se introduce en la música caribeña. La SALSA empieza a surgir cn fuerza en NY. en los años sesentas y en los setentas es su culminación. En los años cuarenta y cincuenta durante el apogeo de las “big bands norteamericanas” los músicos cubanos muestran gran interés en las grandes bandas. En algunos sones se parafrasean melodías de jazz norteamericano pero se reconstruyen formaciones musicales tradicionales para dar entrada a una sección de viento siguiendo ejemplo de Millar, Basie ó Kenton. Hay también fuerte influencia de Dizzie Gillespie ó Charly Parker que introducen percusiones e incluso percusionistas cubanos en sus bandas. Los norteamericanos en general aceptaron los nuevos ritmos fusionados en Cuba, y triunfa EL MAMBO y luego EL CHA-CHA-CHA. Beny Moré, Pérez Prado, Machito, Tito Puente, Tito Rodríguez encuentran en la calle 52 de NY. Su plenitud en la música latina.
EL BOLERO: Baile popular español procedente de la seguidilla, de movimiento majestuoso.
LA MUSICA SOUL:
Fragmento de La discoteca ideal de la música pop.
De José Ramón Pardo.
Tras la llegada del rock and roll, una música que debía tanto a la tradición negra como blanca, la industria discográfica había apostado claramente por los intérpretes blancos, porque blanca era la mayoría del mercado, y habían vuelto a relegar a los músicos negros a los guetos de los sellos pequeños y los circuitos restringidos. Una situación tan injusta como real que hizo que la mayor parte de los triunfadores de la generación high school fueran blancos y que entre los rockers llegara a vender más Pat Boone con las versiones de temas de Fats Domino que su propio autor, excelente músico.
A comienzos de los sesenta la situación para la mayor parte de los artistas negros era desesperada. Los blancos hacían copias, covers en el argot profesional, de sus canciones, y las llevaban al éxito. Los Diamonds vendieron muchos más Little darling que los Gladiolas, sus creadores. Hasta Jimmy Sacca compitió con los Platters por su Only you y Elvis vendía muchos más Lawdy Miss Clawdy que Lloyd Price o Hound dogs que Big Mama Thorton.
Un compositor y productor de Detroit, llamado Berry Gordy Jr., estaba molesto porque los discos que grababa daban ingentes beneficios a las compañías y escasos ingresos a su propio bolsillo. Así que decidió crear un sello propio, pequeño pero independiente, y como estaban en la Motor Town, la ciudad del motor, la llamó Motown. Pronto interesó a otros sellos negros, que empezó distribuyendo para acabar absorbiendo y se fue convirtiendo en una pequeña potencia musical, con artistas exclusivamente negros.
La Motown tuvo varios aciertos importantes: creó un equipo de compositores y productores propios, entre los que destacaba el trío Holland-Dozier-Holland, y un grupo de músicos de estudio, especializados en grabación, que dieron a sus discos un sonido personal, diferente al que se hacía en otros lugares. Era un rhythm and blues más refinado y joven que el que se practicaba en Chicago y emplearon un eslogan que les resultó muy rentable: «El sonido de la joven América».
Los músicos británicos, empezando por los Beatles, parecieron interesarse más por esa música negra que los propios norteamericanos. Dylan dijo de Smokey Robinson que era el mejor poeta urbano de América. La leyenda fue creciendo y así se formó un grupo de intérpretes de primera línea cuya sola enunciación impresionaba: Diana Ross y las Supremes, Smokey Robinson con los Miracles, los Four Tops, Los Jackson Five, con Michael Jackson incluido, Marvin Gaye, Stevie Wonder, los Temptations, las Marvelettes, Martha y las Vandellas...
Pronto esta música fue conocida como soul, que en inglés significa alma, seguramente por la intensidad con que estaba cantada y por la necesidad de inventar una etiqueta nueva que les diferenciarse de otras músicas, blancas o negras, que se hacían por entonces. Y el nombre cuajó, aunque no lo pudieron conservar en exclusiva. En los estados del sur del país, y especialmente en Tennessee, una de las cunas del country, en Nashville, y del rock, en Memphis, se estaba gestando otra nueva revolución musical negra que también fue conocida como música soul.
En esta ocasión no fue un empresario con vista, sino un músico, productor, compositor y cantante llamado Otis Redding. En una industria más desorganizada, porque muchos de ellos pertenecían a sellos diferentes y no había ni músicos comunes ni productores en exclusiva, la personalidad de Redding era uno de los escasos nexos de unión. La compañía que se llevó la parte del león fue Atlantic, junto al sello Stax, que en muchos países era distribuido por la propia Atlantic.
En este soul sureño, o soul de Memphis, destacaron un par de grupos instrumentales, que sirvieron muchas veces de respaldo a las grabaciones de los cantantes, además de lograr éxito con su propio nombre. Fueron los BarKays, acompañantes habituales de Redding, algunos de cuyos miembros fallecieron en el mismo accidente que el vocalista. El otro era Booker T. & his MG’s, que firmaron éxitos como Green onions o Times is tight.
Entre los cantantes más famosos estuvieron Otis Redding, el romántico Percy Sledge, el rítmico Wilson Pickett, algunas de cuyas mejores grabaciones se hicieron en Alabama con músicos de acompañamiento blancos, el dúo Sam & Dave, los solistas Arthur Concley, Eddie Floyd o Carla Thomas, el pianista Isaac Hayes y hasta la nativa de Detroit Aretha Franklin obtuvo su primer éxito con Respect, una canción escrita por Redding y, estilísticamente, en la línea del soul sureño.
Fuente: Pardo, José Ramón. La discoteca ideal de la música pop. Madrid: Editorial Planeta, 1997.
EL R E G G A E:
Fragmento de Bob Marley.
De Jesús Ordovás.
Capítulo “La movida skataliticoreggaera”.
Una de las versiones más verosímiles sobre el origen de la voz REGGAE podría ser la proporcionada por el tal Bulldog. Aunque los primeros cantantes jamaicanos que usaron descaradamente el término REGGAE en el título de una canción —DO THE RAGGAY (Haz el Raggay) era la tal—, el grupo The Maytals, no han sido nunca demasiado explícitos. Toots, el líder de los Maytals, aseguraba el otro día que él inventó el Reggae. Sin embargo, reconoce que así es como se llama a la música popular de Jamaica. ¿En qué quedamos?
Bueno, los orígenes y la evolución de la Música Reggae están más claros que las etimologías. A pesar de que el Reggae es la música moderna negra menos estudiada. Esto es debido, al parecer, a que al Reggae no se le ha dado importancia hasta hace relativamente muy poco tiempo. Así, el Melody Maker, el semanario musical inglés más conservador y de mayor tirada del mundo, no creyó oportuno considerar al Reggae como una música independiente del SOUL norteamericano hasta que la mayoría de sus colaboradores y redactores se dieron cuenta de que no se enteraban de nada de lo que ocurría en las calles de Londres. Llevaban tantos años dedicándose casi exclusivamente a escribir lo que les contaban en los partis de las compañías plastificadoras, que cuando veían una miríada de negros con tirabuzones en la puerta de sus casas creían alucinar. Pero no alucinaban. A la vuelta de la esquina, como quien dice, tuvieron que reconocer públicamente que aquello era una movida auténtica y no una alucinación, que había llegado hasta las mismas puertas del palacio real. Así que en enero del 76 dejaron un espacio en su revista para los discos REGGAE más populares en el Reino Unido.
Desde entonces, el Reggae se ha hecho tan popular entre la muchachada británica, sobre todo entre los grupos de la Nueva Ola, que hay de una docena de serios estudiantes de Antropología, Sociología, Psicología y Teología de la Universidad de Oxford preparando un kilo de tesis sobre la Peligrosidad de la Música Reggae, La pérdida de los Valores Occidentales Ante La Avalancha de Los Ritmos Tropicales (¿Son Rojos los Negros?) y La Vergonzosa Simpatía Que Nuestros Hijos —y sobre todo nuestras Hijas— tienen por Los Negros Sincopados.
Pero vamos a pasar de ellos y de los papeles con pretensiones antropológicas, filosóficas y sociológicas editados en Inglaterra y Estados Unidos, que sin duda pueden interesar a los estudiosos de la cultura Afro—Americana. Aunque hay tres o cuatro libros interesantes escritos en un lenguaje accesible. Uno de ellos es el de Cathy McKnight y John Tobler —Bob Marley / The Roots of Reggae—, que se editó en 1977, en un momento en que la gente quería saber «algo», lo que fuera, sobre Bob Marley y el Reggae.
De acuerdos con las averiguaciones que hicieron estos dos críticos, ampliadas posteriormente en el excelente REGGAE BLOODLINES: In Search of The Music And Culture of Jamaica, por el escritor Stephen Davis y el fotógrafo Peter Simon, que recogieron sobre el terreno gran cantidad de información, hoy nos resulta más fácil entender la popularidad del Reggae en Jamaica, y su posterior y progresiva implantación en Inglaterra y Estados Unidos.
También podríamos centrarnos en la evolución musical de Bob Marley. Así tendríamos una idea bastante fiel de cómo empezó el Reggae y en qué se ha convertido hoy esta música, de la misma forma que siguiendo a Bob Dylan entenderíamos la eclosión del Folk-Rock en los Estados Unidos a mediados de la década de los 60. Pero Bob Dylan no fue todo el Folk-Rock, ya que había muchos otros grupos (Buffalo Springfield, Byrds, Young Rascals, Lovin Spoonful, Simón & Garfunkel, etc.), y la importancia de su papel en la creación de esa música y en su popularización no la explica totalmente. De igual modo, Bob Marley es el más importante y carismático de los creadores de Reggae hoy en día, pero no es todo el Reggae. Así que para «coger onda» vamos a seguir las vicisitudes de la movida Reggae y el papel de Bob Marley, y otros grandes de la cosa en ella.
El Reggae es una especie de rock-and-roll jamaicano. O, más exactamente, una forma jamaicana de hacer Soul. O también, una curiosa, excitante y peculiar amalgama de Soul, Rock-and-roll y ritmos jamaicanos. O... bueno, los críticos se agarran a una de esas explicaciones más o menos simplistas, pero, de alguna manera, clarificadoras. Cualquiera de ellas es, de alguna forma, válida.
Y si no, que lo diga Paul McCartney, el guapo aquel que tocaba con un grupo inglés que se hizo popular en los 60 (a las autoridades japonesas no les importó cuando le metieron el otro lunes en el talego por llevar encima cien gramos de hierba). Paul se marcó un supuesto viaje a Jamaica cuando, allá por el 65, se estaba gestando la movida Reggae, y de vuelta del crucero por el Caribe hizo «You Won’t See Me», una canción en plan Rock Tirado (Steady Rock) contenida en el elepé Rubber Soul (Alma de goma) de los chicos de Liverpool; canción que muy bien podía estar en la antología del Reggae de la Trojan, entre Darlin Patricia de un tal Owen Gray, y The Rules of Life de Los Claredonians. Y no digamos ya «Ob-La-Dee Ob-La-Da» (Obladí Obladá), un reggae descarado que se montaron los colegas en aquel compendio plastificado de estilos que fue el álbum blanco. O sea, que Paul ... [ Enlace |  5 comentarios ]  del.icio.us Estrella este post 
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(anonimo)Luz Adriana
